Elegir un software de edición es una decisión dramática porque no solo estaremos optando por un programa, sino que, además, el mismo determinará la metodología de trabajo que emplearemos.

Existe un cierto balance entre el gusto personal, los requisitos del mercado y los requerimientos de hardware para dedicarnos a explorar y perfeccionarnos en un cierto programa.

En el mundo de los editores, no es difícil hallar fundamentalistas.

Y entre los mas extremistas, están los fanáticos del Avid.

El Avid es, por lejos, el mas sectario de los programas de edición. Muy poderoso, así también son los recursos que requiere (Procesador, RAM y HDD) para funcionar óptimamente.Si bien es compatible con Windows, la verdad sea dicha, sólo puede aprovecharse al 100% corriendo sobre Mac. Y su filosofía e interfaz, están orientadas absolutamente al usuario profesional.

De todos los programas que he probado, ha sido el menos intuitivo; por lo que, manuales y cursos mediante, recién ahí estaremos a la altura de poder usarlo.

Tiene miles de puntos a favor (no por nada es el predilecto de los canales de televisión) sobretodo en lo que respecta a trabajo en red y distribución de tareas (varias computadoras trabajando sobre el mismo proyecto a la vez) pero, ya sea para el realizador Indie o para el que quiera iniciarse en el mundo de la edición, es un hueso duro de roer.

Requisitos de sistema para el Avid Media Composer 5.5

Windows

Procesador: Intel Core 2 Duo 2.33 GHz o superior
Memoria: 4 GB de RAM (6 GB de RAM recommendada para Windows 7 y Windows Vista)
Tarjeta Gráfica: NVIDIA Quadro FX (FX 560 or superior)
HDD: Minimo 80 GB x 7200 rpm

Mac

Procesador: Intel Dual o Intel Dual Core 2.66 GHz Xeon o superior, o Intel Core 2 Duo 2.33 GHz o superior (laptops)
Memoria: 4 GB de RAM
Tarjeta Gráfica: NVIDIA GeForce family³ o ATI Radeon
HDD: Minimo 80 GB x 7200 rpm

Página Oficial: Avid

Sony Vegas

Si el Avid es un soft complejo y pesado, el Vegas es la contracara absoluta. Es un programa muy liviano (no pesa mas de 400 MBytes), con una interfaz súper intuitiva y dinámica.

Basta con arrastrar los archivos que querramos editar, directamente al timeline, para ya estar montando una secuencia. Otra característica muy interesante (de hecho, es el único programa de edición que lo soporta con total naturalidad, pese a no ser esa la función) es que permite, mientras estamos reproduciendo el video, insertar, loopear o modificar clips.

Es decir, trabajar ON-LINE, sin saltos en la reproducción. Muy útil si estamos haciendo un trabajo de VJ en vivo.

Como punto negativo, está la imposibilidad de anidar secuencias (lo que vuelve bastante tediosa la edición de material extenso) y la falta de compatibilidad con plug-ins potentes. Pero, no por eso, deja de ser un buen primer programa para empezar (y de hecho, hay profesionales que lo usan exhaustivamente).

Requisitos de sistema de Vegas Pro 10

Procesador: 2 GHz (se recomienda una CPU de varios núcleos o procesadores para HD o 3D estereoscópico)
HDD: 400 MB de espacio de disco duro para la instalación del programa
Memoria RAM: 1 GB RAM (2 GB recomendadas)

Página Oficial: Sony Vegas

Adobe Premiere y Final Cut

Algunos pondrán un grito en el cielo porque decidí juntarlos. Pero, seamos sinceros, para migrar de un programa a otro, no se necesitan mas de 40 minutos.

Tanto el Premiere como el Final comparten, no solo la misma idea e interfaz, sino incluso hasta la mayoría de sus plug-ins. Ambos son excelentes programas, tanto para el amateur como para el profesional, ya que cuentan con una buena cantidad de herramientas, con una lógica de uso sencilla y dinámica.

Podemos trabajar con una enorme secuencia en contínuo (como el Vegas) o con varias secuencias independientes. Ambos aceptan importar imágenes secuenciadas (stopmotion o renders en jpg, bmp, tiff, etc) y ademas, el Premiere tiene la particularidad de permitirnos Copiar-Pegar una secuencia de clips, directamente en el AfterFX.

A nivel hardware, si bien cuanto más, mejor, no son tan exigentes como el Avid. Pero, eso sí, el Final Cut es sólo para Mac.

Requisitos de sistema para el Premiere CS5

Windows

Procesador: Intel® Core™2 Duo o AMD Phenom® II; se requiere compatibilidad de 64 bits
Sistema Operativo: Se requiere sistema operativo de 64 bits: Microsoft® Windows Vista® Home Premium, Business, Ultimate o Enterprise con Service Pack 1; o Windows® 7
Memoria Ram: 2 GB de RAM (se recomienda 4 GB o más)
HDD: 10 GB de espacio disponible en el disco duro para la instalación; se necesita espacio libre adicional durante la instalación (no se puede instalar en dispositivos de almacenamiento extraíbles basados en memoria flash). Disco duro de 7200 RPM destinado a la edición de formatos de vídeo comprimidos y RAID 0 para descomprimidos.
Tarjeta Gráfica: Resolución de 1280 x 900 con tarjeta gráfica compatible con OpenGL 2.0

Mac

Procesador: Intel® multinúcleo con compatibilidad de 64 bits
Sistema Operativo: Mac OS X v10.5.8 o v10.6.3; se requiere Mac OS X v10.6.3 para un rendimiento acelerado de la GPU
Memoria Ram: 2 GB de RAM (se recomienda 4 GB o más)
HDD: 10 GB de espacio disponible en el disco duro para la instalación; se necesita espacio libre adicional durante la instalación (no se puede instalar en un volumen que utilice un sistema de distinción entre mayúsculas y minúsculas en archivos, ni en dispositivos de almacenamiento extraíbles basados en memoria flash). Disco duro de 7200 RPM destinado a la edición de formatos de vídeo comprimidos y RAID 0 para descomprimidos
Tarjeta Gráfica: Resolución de 1280 x 900 con tarjeta gráfica compatible con OpenGL 2.0

Página Oficial: Adobe Premiere CS5

Requisitos del sistema para FinalCut Pro

Mac

Procesador: Intel Core 2 Duo o superior
Memoria Ram: 2GB de RAM (4GB de RAM recommendada)
Tarjeta Gráfica: Tarjeta de video OpenGL-compatible o Intel HD Graphics 3000 o superior 256MB of VRAM. Monitor con una resolución de 1280x768 o superior
Sistema Operativo: Mac OS X v10.6.7 o superior
HDD: 2.4GB de Disco Duro

Página Oficial: Final Cut

El género del videoclip es un mundo aparte. Demasiadas manos en un mismo plato, demasiados artistas trabajando sobre un mismo material y, sobretodo, demasiados límites para idearlo.
Que el presupuesto es muy alto, que queremos la banda aparezca tocando, que haya veinte bailarinas y "que sea como el de"...

Sí, filmar un videoclip es, a veces, un dolor de cabeza.

Pero al mismo tiempo, es la oportunidad de grabar a fuego una melodía. De decir todo lo que quedó fuera de la canción, de completarla y, como si fuera poco, hasta definir la estética de una banda.

Es imposible escuchar Sabotage de los Beastie Boys sin recordar su videoclip estilo serie ochentosa de detectives, o Just de Radiohead, sin sentir un cierto escalofrío...O Let Forever Be de los Chemical Brothers y la psicodelia de transiciones y enlaces (absolutamente ópticos y analógicos, por cierto).

Sí, son videoclips viejos, y sí, seguramente hoy en día hay videoclips igual de potentes y creativos pero, la verdad sea dicha...la primer generación post-MTV buscaba superarse contínuamente (¡hasta ponían en los zócalos el nombre del director!).

El clip es, bien aprovechado, un lienzo donde todo vale, siempre teniendo en cuenta algunas "reglas", que responden a ciertas leyes estéticas. Y sobre eso intentaremos escribir hoy.

¿Cómo empiezo?

Lo fundamental es, ante todo, pedirle a la banda el o los temas que les gustaría filmar. Y, si es posible las letras, fotografías de los integrantes, verlos tocar en vivo un par de veces (si es que no los viste antes) y cualquier cosa que te permita imaginar a la banda dentro del videoclip.

Eso es fundamental porque, muchas veces, puede ser que los deseos de la banda, a nivel estético o narrativo, no tengan relación con el tema que quieran filmar, por lo que es responsabilidad del Director estar adelantado un par de pasos en todo el proceso de la previa al rodaje.

Hay músicos que te darán vía libre, otros que te pedirán imposibles y otros que hasta se quedarán dormidos al lado tuyo en la isla de edición, con tal de que salga tal cual ellos quieren.
Por eso, desde la primer charla, debés transmitirles la seguridad de que, en tus manos, quedará perfecto, que sabés lo que estás haciendo, y que el videoclip servirá para enaltecer su trabajo.
El trabajo de encontrar el equilibrio entre la imagen que ellos quieren proyectar en la canción, y lo que se verá en pantalla, es la parte mas difícil de la dirección de un videoclip.

Pero ellos quieren un videoclip donde sólo aparezcan tocando...

Ofreceles algo distinto, un valor agregado, una diferencia. Los videoclips de ese tipo siempre terminan siendo olvidados. Salvo que se trate de una banda mainstream o con mucha trayectoria (o con una discográfica grande detrás) no circulará mucho. Un caso interesante es el del video de Big Bang Baby de Stone Temple Pilots. Donde, precisamente, buscaron una ruptura con toda la estética de aquél entonces, haciendo un clip sumamente barato (¡y hasta ironizan al respecto!).

Pero, eso sí, cuando se trata de un primer video, es conveniente que la banda aparezca de alguna forma. Ellos se sentirán representados y, por tu parte, te servirá para fragmentar la historia (cosa que ahorra muchas tomas).

Así que tomá nota de todo lo que ellos quieran (o no) en el video, cerrá la historia que servirá para ilustrar el tema (basta con una síntesis...y siempre ayuda escribirlo como un cuento), y cerrá la propuesta.

Somos Actores queremos Actuar

Que los músicos sean los protagonistas es una apuesta difícil. No todo músico tiene el ángel necesario para la actuación (que no da bien en cámara, que sobreactúa...etc). Si no hay forma de quitarle la idea de la cabeza, entonces conviene pensar el "acting" del video en función de esa limitación. Pero sino, con mucho tacto, proponerle que haga(n) los personajes secundarios o buscar una alternativa para la historia. Me saco el sombrero frente a Dave Grohl y los Foo Fighters

Ok, ya nos pusimos de acuerdo con los músicos...¿Y ahora qué hago?
Bueno...es el momento de aprenderte la canción, quieras o no.

Armate de paciencia, preparate un café, un té y/o varios termos de mate porque llegó la hora de guionar y secuenciar el videoclip. Seteá el winamp, el reproductor de CD o el IPOD en loop, lápiz en mano, y apretá PLAY.

Con la vista puesta en el contador de segundos, y entre pasada y pasada, anotá el momento en donde irá la secuencia/escena/toma. A veces basta con colocar "BANDA" y, en otras, la descripción de la acción, por ejemplo "Camina hacia la puerta". Siempre dependiendo del género/estilo, habrá momentos clave de la canción. Muchas veces se usa al estribillo como separador entre actos, poniendo al cantante en un primerísimo primer plano, gritando bien fuerte al micrófono, otras veces se aprovechan los puentes de la canción para volver a la banda...etc. Lo fundamental es tener bien marcados los momentos "fuertes" y los momentos "débiles", y aprovecharlos para, entremedio, resolver las secuencias.

Un maestro en el arte del Timming de los videoclips es Michel Gondry. Enumerar todos sus videos nos llevaría un buen rato, por eso aquí les ahorro tiempo con un link a Youtube. Pero, sus indispensables para entender de qué trata el sincro perfecto en un videoclip son: Around The World (Daft Punk), The Hardest Button to Button (White Stripes) y Star Guitar (The Chemical Brothers). Lo que tienen en común esas tres canciones es la fuerte presencia del combo bajo+bombo, es decir, el tempo muy marcado y al frente. Y el método que usó para sincronizar los distintos objetos, fondos y eventos en Star Guitar es, simplemente, brillante. Les recomiendo que vean el Making Of de ese video donde Gondry explica cómo lo resolvió (muy parecido a lo que sería una partitura de música electroacústica).

¿Y si hacemos un Animatic?

Una herramienta indispensable para hacer un buen videoclip y no pasarse de presupuesto es el Animatic. Apoyarse en un storyboard simple, sencillo, y dedicar un par de horas a montarlo sobre la pista, nos ayuda a terminar de ajustar la pre. Es muy probable que terminemos quitando tomas, e inclusive escenas o secuencias completas, porque estamos trabajando sobre una base de tiempo casi inamovible (podemos añadir espacio antes o después...pero no en el medio). Con eso sabremos, mientras estamos rodando, si una toma duró poco, o si la acción se puede resolver en un plano en lugar de dos o tres.

Una vez terminado, lo único que queda es armar la producción y, con todo eso en la valija...¡es hora de salir a rodar!